Imágenes de referencia

Metodología y plan de trabajo

En una primera fase, recopilaré documentación, es decir, fotografías que ya tengo y que hay que revisarlas, y al mismo tiempo iré haciendo fotos de las personas que quiero retratar. Estas fotografías se irán haciendo en distintas circunstancias y distintos puntos de vista de las personas que van a ser fotografiadas. No se persigue la calidad, encuadre etc de la fotografía, sino captar el punto de la personalidad del individuo. Esta fase puede durar alrededor de 2 meses.

A continuación comenzará la segunda fase, más larga, que es la realización de pruebas con las diferentes técnicas. En la asignatura Grabado calcográfico, se harán algunos mediante grabado, se intentarán probar distintas técnicas persiguiendo el mejor resultado.
Se realizán también distintas manipulaciones sobre las fotografías utilizando programas informáticos y posteriormente se imprimirán para aplicar pintura u otros materiales sobre ella, o si el resultado es bueno, dejarla tal y como está. También se utilizarán fotografías para convertirlas completamente a dibujo utilizando el ordenador y manteniendo el perseguido punto. Todos esta fase será realizada a lo largo de 4 meses.

Por último se seleccionarán las obras que compondrán el trabajo final. Una vez elegidas, se decidirá si se enmarcan o se manipula el soporte de alguna manera. En concretar y finalizar el proyecto se pueden emplear 3 semanas.

Objetivos

Objetivos generales

Los objetivos generales de este proyecto artístico son, por un lado, investigar sobre distintas maneras de representar el rostro de una persona manteniendo la identidad de esta persona, es decir, que esté siempre presente su punto. Por otro lado, investigar acerca de la mezcla de la fotografía y la pintura, el grabado etc... para conseguir lo propuesto anteriormente.


Objetivos específicos

1. Realizar fotografías de las personas que se van a retratar. Obtener distintas fotografías de cada una de las personas que van a formar el proyecto, realizarlas desde distintos puntos de vista para luego escoger la que más le presente, la que contenga su punto.

De todas las fotografías realizadas, elegir a las personas que se quiere retratar y además, elegir la fotografía más adecuada para conseguir el objetivo principal del proyecto.

2. Analizar las distintas técnicas que se pueden realizar para conseguir el mejor resultado teniendo en cuenta el objetivo perseguido. Seleccionar las fotografías que se van a aplicar con cada una de las técnicas y posibles alternativas en caso de que el resultado no sea satisfactorio.

3. Llevar a cabo la realización de los retratos con cada una de las técnicas.

Introducción

Este proyecto artístico va a estar basado en la búsqueda del punto de la personalidad de cada una de las personas que se va a retratar.

Las Vegas

La única razón por la que teníamos esta ciudad en la ruta, era visitar el Cañón del Colorado. Tenía muchísimas ganas de ir y si para ello teníamos que pasar por las Vegas, pues pasábamos, pero no me atraía nada esa ciudad como tal.

Era mucho más de lo que me habían contado. Todo era aberrante. Todo es mucho más aberrante de lo que me habían contado. Debe ser una de las mayores monstruosidades que ha hecho el hombre en todos los sentidos. Por lo que conozco, es la capital mundial de los vicios, de todos lo que existen.

En fin, que fuimos al Cañón del Colorado, pero claro. Era la única excusión que llevábamos desde España. Todo está tan enfocado al turista, que nos estropearon esa visita que, bucándote allí las castañas, tiene que ser de lo más alucinante. Nos tuvimos que tragar incluso un espectáculo de unos haciendo el indio, vestidos de indios. Fuimos justo donde acaban de terminar ese balcón de vidrio que estaban haciendo. Aún así, es impresionante y sobrecogedor. Te supera la gradiosidad que tiene. Es tal la diferencia de dimensiones entre lo que tienes delante y tú, que da miedo.

Pero la sorpresa de esa ciudad fue, que gracias a que me empeñé, vimos el espectáculo más bonito que he visto en un escenario hasta ahora. Un concierto de Celin Dion en el auditorio de uno de los grandiosos hoteles que hay allí (solo la zona de tiendas del hotel, será como el centro de Murcia, de hecho, nos perdimos dentro). Llena el auditorio todos los dias en las Vegas!! es impresionante: la escenografía, las luces haciendo figuras y paisajes en 3 dimensiones además de esa voz...un espectáculo maravilloso.

Volar

Siempre he querido volar en paracaidas, pero nunca me he atrevido a dar el paso para hacerlo. Y desde hace bastantes años siempre he tenido la posibilidad de volar en parapente, pero nunca me lo había planteado por que ya había descartado aventuras así.

Pero un día surgió y me tiré al vacío (acompañada de otra persona, claro). Pensé que me daría más miedo el hecho de ir corriendo y, literalmente, tirarte por un precipicio, aunque se sepa que luego tira la vela de ti. Pero me sorprendió un poco el hecho que no tener ni el típico cosquilleo en el estómago.

Estuvimos volando alrededor de una hora por encima de Alhama de Murcia. Es un paseo precioso y entiendo a la gente que se vicia con esas actividades o deportes y necesita volar de vez en cuando para desaparecer de este mundo un rato.

Sorpresa

No era la primera vez que iba a Roma y además iba con gente que nunca había estado, por lo que las cosas y visitas que yo ya había hecho en otros viajes, los repetí muy gustosamente. Estábamos realizando todo las rutinas de viaje, todas las visitas, todos los traslados andando, por lo que ya las piernas se resentían bastante. Íbamos buscando el museo dell'Ara Pacis porque una persona del viaje quería ver el altar.

De pronto, aparece delante de nosotros una inmensa urna de cristal con un maniquí vestida con uno de los típicos vestidos rojos de Valentino. Al lado se encontraba el cartel anunciador de la exposición que se estaba realizando dentro del museo dell'Ara Pacis clausurando la carrera como diseñador de Valentino.

Creo que nunca me ha sorprendido tanto una exposición por la forma en la que la habían mostrado. Todos los maniquies agrupados por colores, con los brazos elevados hacia el Ara Pacis como si fueran vestales cantando. La fusión entre lo antiguo y nuevo era magnífica, es decir, cómo habían integrados los vestidos y los maniquíes de Valentino para que estuvieran totalmente integrados y de una forma preciosa con el antiguo altar.

André Derain

Biografía

El entusiasmo precoz de André Derain por el dibujo y la pintura no habría pasado de mera afición si hubiese seguido el consejo de su padre, pastelero y consejero municipal de Chatou, que ansiaba ver a su hijo trabajando en una profesión típica de
la burguesía. Había consentido que el joven André tomase clases con un pintor local y, años más tarde, que se matriculase en la parisina Academia Camino, donde fue alumno de Eugene Carriere y conoció a Henri Matisse. También había aceptado que alquilase un estudio con el pintor Maurice de Vlaminck y pintase junto a él en las proximidades del pueblo. Pero jamás pudo imaginar que su hijo le plantearía seriamente la posibilidad de consagrar su vida a las Bellas Artes. Para convencer a su progenitor de que el oficio de pintor era tan respetable como cualquier otro, Derain tuvo que presentarle a Matisse. Cuando monsieur Derain lo vio aparecer acompañado de su esposa y con su aire de venerable profesor universitario, comprendió finalmente que el sueño de toda su vida acababa de desvanecerse.

Dedicado de lleno ala pintura desde principios de siglo, Derain fomenta una imagen y una obra fauve que mantiene mayores vínculos con los pintores finiseculares que con la incipiente bohemia reunida en torno a Pablo Picasso. Nuestro autor suele alejarse del entorno urbano y dedica casi todo su tiempo a plasmar composiciones en las cuales el referente humano se subordina a la naturaleza. Le suceden así las vistas de Chatou,
Collioure, Le Pecq y los atrevidos paisajes fluviales de Londres, influidos todos ellos por la paleta de Vincent van Gogh y los pintores neoimpresionistas. Asimismo, los paisajes realizados en su segunda visita a Londres y las arboledas pintadas en L'Esta- qué durante el verano de 1906 muestran una serie de arabescos y superficies planas inspiradas directamente en la producción de Paul Gauguin.

Aunque Gauguin también motivó el acercamiento de Derain a un primitivismo colorista de marcado talante exótico, la influencia de Paul Cézanne a partir de 1907 se tradujo en una concepción de lo primitivo relacionada con el volumen en detrimento del color. Con ello se distancia de Matisse, quien a partir de aquel año se embarca en un tipo de pintura acusadamente plana y organizada en amplias superficies cromáticas.
Si la producción artística de Derain experimenta cambios notables, lo mismo puede decirse de sus episodios biográficos.
El alemán Daniel-Henry Kahnweiler sucedería al taimado Ambroise Vollard como mar-
chante de Derain a partir de 1908. Asimismo, la aproximación del pintor a la bohemia de Montmartre le permitió fraguar un apasionado romance con su futura esposa, Alice Princet, y una amistad no exenta de paradojas con Pablo Picasso. Si bien influyó en el malagueño durante la gestación de Las señoritas de A'Vignon, mostrándole su colección de objetos primitivos y recomendándole que visitara la sección africana del Museo del Trocadero, no dudó en predecir que Las señoritas representaba una empresa desesperada y que no le extrañaría encontrar a su autor una mañana cualquiera colgado detrás de la tela. Su desconfianza en los experimentos radicales de la vanguardia explica, por tanto, la búsqueda de una síntesis muy personal hasta su ingreso en el ejército tras el estallido de la Primera Guerra Mundial; una síntesis que intenta combinar la concepción volumétrica y la restricción cromática del primer cubismo con una serenidad compositiva heredada de la pintura renacentista.



"LA VUELTA AL ORDEN"

El regreso de Derain a la vida civil después de la Primera Guerra Mundial marca una verdadera inflexión en su biografía. Por una parte, permanece atento a los modos -ya las modas- del círculo artístico parisino y firma un contrato con el cosmopolita
Paul Guillaume, quien hasta su muerte -acaecida en 1934- asumiría las labores de marchante.

Por otra, la crítica nacionalista se sirve del impecable comportamiento de Derain, durante la contienda y de su aproximación al clasicismo francés para fustigar a los artistas de la vanguardia. Pese a que Derain acabaría convirtiéndose en uno de los
principales representantes de la "vuelta al orden", nunca compartió las teorías de dicha tendencia.
Sin embargo, ello no le libró de las críticas más acerbas. Sus detractores no se cansaban de repetir que tras el pretendido tono metafísico de sus composiciones sólo se escondía vaciedad y falta de imaginación. Sus defensores, entre los cuales se encontraban la crítica oficial y artistas vinculados al surrealismo como André Masson, Alberto Giacometti y Balthus, admiraron sin reservas la ingenuidad expresiva de sus modelos y especialmente los retratos dedicados a su sobrina Genevieve.



UN FINAL AMARGO

El temperamento contradictorio de André Derain alcanza el paroxismo durante la ocupación alemana. La aparición de sus obras fauves en la exposición nazi sobre "arte degenerado" no le impidió acompañar a otros artistas en un viaje por Alemania organizado por el Tercer Reich a finales de 1941. Aunque es muy posible que se dejase engatusar tanto por intereses personales -un destacamento militar alemán había ocupado su mansión en Chambourcy- como profesionales -denunciar la situación de los artistas deportados-, comprobó finalmente que sólo se trataba de una estratagema ideada desde Berlín. Derain no sacó nada en limpio de dicho viaje y, acabada la guerra, hubo de responder a graves imputaciones por su supuesto colaboracionismo. Quizá esto explique su progresivo distanciamiento de la escena pública y el tenebrismo de sus últimas obras; las tonalidades oscuras de los paisajes, la violencia de las escenas mitológicas, la profunda melancolía del último autorretrato, marcan una distancia insalvable con el encendido cromatismo y la alegría de vivir presentes en todas y
cada una de sus magistrales composiciones fauves.

Ludwig Kirchner

Biografía

Ernst-Ludwig Kirchner nació en 1880 en Aschaffenburg, una localidad alemana de la región de Franconia. Cursa sus primeros estudios en Chemnitz, ciudad sajona en cuya Escuela de Artes Aplicadas su padre había conseguido una plaza de profesor, y en 1901 inicia la carrera de arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Dresde. La doble dimensión, técnica y artística, que estos estudios le ofrecen, satisfacía el deseo de su padre, ingeniero, y los del propio Kirchner, que desde muy pronto venía interesándose por el dibujo. En la escuela de Dresde, Kirchner conoce a un joven estudiante, Fritz Bleyl, con el que pronto entabla amistad.

En el invierno de 1903 a 1904, interrumpe sus estudios en Dresde para viajar a Munich y asistir a la academia de W.Debschitz y Hermann Obrist, dos artistas que se encontraban en la órbita del Jugendstil, la variante alemana de un fenómeno europeo que, según los países, toma nombres como Art Nouveau, Modern Style o Modernismo. De vuelta a Dresde, dos nuevos alumnos se unen al grupo: Erich Heckel, en 1904, y, al año siguiente, Karl Schmidt-Rottluff. Según parece, de este último partió el nombre de Brücke -Puente- para la asociación de artistas que Kirchner, Bleyl, Heckel y él mismo constituyen en 1905. Kichner que en ese mismo año obtiene el diploma de ingeniero, se erigirá en el líder del grupo y en lo sucesivo se dedicará por completo al arte. En 1906, a los fundadores del Puente se añaden Max Pechstein, el suizo Cuno Amiet y Emil Nolde, tras la invitación que recibe de Kirchner y sus amigos, que habían quedado prendados de su obra a raíz de la exposición del ya maduro pintor celebrada ese mismo año en la Galería Arnold de Dresde.

Los restantes años de la primera década del siglo son de una intensa actividad colectiva que hace que, en ocasiones, sea imposible distinguir la autoría de muchas de las obras de los miembros del grupo. Su primera exposición conjunta tuvo lugar en 1906, en el salón de exhibición que la fábrica de lámparas de K.F.M. Seifert tenía en Lobtau, cerca de Dresde. Bajo una trama abigarrada de lámparas de gusto burgués que colgaban del techo y ante la perpleja mirada de los vendedores, los cuadros se repartían por las paredes y la obra gráfica en vitrinas realizadas para la ocasión. El extraño escenario de una fábrica y la novedad de las obras expuestas contribuyeron a que la muestra alcanzara escaso eco. Pese a ello, Kirchner y sus compañeros consiguieron exponer al poco tiempo en locales convencionales de Dresde: en 1907 en la Sala de Arte Richter, y tres años después en la prestigiosa Galería Arnold.
Desde 1907, Kirchner, como el resto de los miembros del Puente, amplía su horizonte más allá de Dresde y comienza a viajar en los meses de verano a la zona lacustre de Moritzburg. Allí, conviviendo con sus modelos y en contacto directo con la Naturaleza, pinta fundamentalmente escenas de desnudos en los que se aprecia un nuevo estilo, más agresivo en formas y cromatismo, que está ya muy lejos de la influencia del Jugendstil. Pero el cambio más importante se produce a raíz de su establecimiento en Berlín, ciudad en la que paulatinamente fueron fijando su residencia los artistas del Puente desde que Pechstein lo hiciera en 1908. Kirchner se instala definitivamente en la ciudad en 1911 y ese mismo año funda en compañía de Schmidt-Rottluff el instituto MUIM, una academia de arte que, entre otras actividades, ofrecía cursos de pintura, grabado y escultura y que hubo de cerrar al poco tiempo de su apertura por falta de alumnos.

En Berlín, la proyección de los artistas del Puente aumenta; en 1912, tras participar en la segunda exposición de El Jinete Azul -el otro gran grupo expresionista alemán, en el que, entre otros, militaban Wassily Kandinsky y Franz Mara-, consiguen realizar su primera gran muestra en la Galería Gurlitt de Berlín. En esta época, Kirchner se separa de Dodo, su compañera durante varios años, y se une a Ema Shilling, con quien compartirá el resto de su vida. Entre tanto, su obra delata la fascinación por la vida trepidante de la gran ciudad. En Berlín, el estilo colectivo de Dresde se disuelve y cada uno de los miembros del Puente adopta un lenguaje personal. Se trata de un alejamiento que trasciende del ámbito estrictamente artístico y que acaba por resolverse con la escisión definitiva del grupo en 1913, con motivo de la publicación por parte de Kirchner de la Crónica del grupo de artistas Puente, una suerte de síntesis de la evolución histórica del grupo, en cuyos términos discreparon el resto de sus compañeros.


La guerra interrumpe bruscamente la actividad de Kirchner; incorporado a filas, resiste poco tiempo la peculiar lógica de la vida militar y la barbarie de la guerra. En 1915, sumido en una profunda postración física y mental, es internado en varios sanatorios de los que no será dado de alta hasta 1918. En ese año -el mismo en que tiene lugar en Zurich una importante retrospectiva de su obra- se instala en un retirado pueblo alpino en la región suiza de Davos e inicia una nueva etapa en la que, en oposición a la crispada vida de la ciudad que tanto le atrajera, su obra se abre a la calma de los paisajes y las gentes de la montaña. En la década siguiente, Kirchner, que ha recuperado la salud casi por completo, asiste al reconocimiento de su trabajo; una fama que el propio artista trata de impulsar mediante una serie de artículos sobre su obra que firma bajo el nombre de un inventado médico francés llamado Louis de Marsalle. Pese a que las exposiciones de sus pinturas y esculturas se suceden, su mala salud y el sombrío panorama que se cierne sobre Europa le sumen en la depresión. En 1937, el régimen nazi confisca 639 de sus obras y 32 de ellas se incluyen en la famosa exposición de " Arte Degenerado" de Munich; al poco tiempo, el 15 de junio del año siguiente, el pintor se suicida en su refugio suizo de Frauenkirch.

Karl Schmidt-Rottluff

Biografía

Karl Schmidt fue uno de los creadores del primer movimiento pictórico expresionista alemán. En la Escuela de Chemnitz coincidió con Erich Heckel y en 1905 siguió sus pasos y se trasladó a la ciudad de Dresde para estudiar arquitectura y pintar de forma autodidacta. Junto a Kirchner y Fritz Bleyl creó en 1905 el grupo expresionsita Die Brücke (El puente), con la intención de buscar un nuevo lenguaje pictórico que rompiera con el pasado. Fue entonces cuando el joven Karl Schmidt unió a su nombre el de su lugar de nacimiento y se convirtió en Schmidt-Rottluff. En los veranos de 1907 y 1912 fue a pintar a Dangast, junto a Heckel, y en 1911 siguió a sus compañeros en su traslado a Berlín, donde residió el resto de su vida. Durante la I Guerra Mundial combatió en el frente ruso y con la llegada de los nazis al poder, su reconocimiento se eclipsó y pasó a ser considerado "artista degenerado" y expulsado de la Academia de Bellas Artes. Durante la II Guerra Mundial su estudio fue destruido por lo que gran parte de su obra se perdió. En 1947 fue contratado como profesor de la Escuela de Bellas Artes de Berlín Occidental desde donde ejerció una importante influencia en las nuevas generaciones de pintores.

Su estilo expresionista, de pincelada vigorosa y brillante colorido, evolucionó desde un primer período de influencia de Van Gogh hacia formas más planas y sintéticas. Como sus compañeros, realizó numerosas xilografías y fue el primero de ellos en hacer también litografías.

En 1964 fue el principal promotor del Brücke-Museum de Berlín, que se inauguró en 1967 con obras donadas por los componentes de Die Brücke.

Gerhard Richter

Biografía

Nacido en 1932, tras la II Guerra Mundial Gerhard Richter permaneció en la República Democrática Alemana, en donde se formó como artista en la Academia de Bellas Artes de Dresde. Entre sus comienzos destaca la práctica de pintura mural de contenido político. Sus primeros desplazamientos a Alemania del Oeste le pusieron en contacto con nuevas corrientes como el Expresionismo Abstracto y el Informalismo.
En 1961, poco antes del levantamiento del muro de Berlín, se instaló definitivamente en la República Federal Alemana y fue aceptado en la Academia de Arte de Dusseldorf, en donde descubrió la obra de Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, Jean Fautrier y las experiencias del grupo Fluxus, un resurgir del movimiento Dada. Por un periodo de tiempo, formó parte del llamado Realismo Capitalista, una tendencia efímera ligada al Pop que, desde una perspectiva satírica, describía la situación de la Alemania de la posguerra.


A partir de 1962, Richter abandonó el Informalismo y pintó sus primeras obras basadas en fotografías. Es la época de sus conocidas grisallas, ya que la mayoría del material fotográfico que llegaba a sus manos era en blanco y negro, reproducciones de periódicos y revistas, revistas pornográficas, folletos de publicidad y retratos de desconocidos y artistas aparecidos en la prensa. De este periodo son Waldstück (Trozo de Bosque, 1965), Liebespaar im Wald (Pareja de enamorados en el Bosque, 1966), Olympia (1967) y Porträt Liz Kertelge (Retrato de Liz Kertelge 1966). En el género del retrato destaca en la exposición el de Brigid Polk (1971), una de las grandes figuras de la Factory de Andy Warhol en Nueva York de la que existen en total cinco retratos.

Al mismo tiempo que realizaba los cuadros basados en fotografías y demostrando una vez más que su evolución no puede ser narrada linealmente, Richter creó un nuevo grupo de obras de clara inspiración Pop y protagonismo absoluto del color. Un excelente ejemplo de este periodo es Sechs Farben (Seis Colores, 1966).


A partir de 1969, en el trabajo de Gerhard Richter comienzan a predominar los paisajes, género que ha cultivado regularmente hasta hoy y representado en Una Colección Privada a través de obras como Wilhelmshaven (1969), Brücke am Meer (Puente en el Mar, 1969), Seestück (Marina, 1969) y Stadtbild PL (Paisaje Urbano 1970), ésta última radicalmente distinta a las anteriores tanto por la perspectiva aérea como por la técnica utilizada.

El interés de Richter por el color se demuestra en cuadros como Ausschnitt (Detalle, 1971), basado en una ampliación de las combinaciones cromáticas del óleo en la paleta, y Grau (Gris, 1976). Los lienzos de gris monocromos buscaban, según el propio artista, “la única e idónea correspondencia posible para la indiferencia, la negación del mensaje y la carencia de forma”.

Richter acomete su primera pintura abstracta, Konstruktion (Construcción, 1976), cuando aún pintaba grisallas. Se trata de una obra claramente diferente en técnica y elaboración de las abstracciones posteriores, representadas en la exposición a través de cuadros como Pavillon (Pabellón, 1982), Eule (Lechuza, 1982) e Ingrid (1984)

La dedicación a la abstracción no impidió que Richter siguiera cultivando la figuración. Así, creó paisajes como Krems (1986), naturalezas muertas como Blumen (Flores, 1994) y enigmáticos cuadros de velas y calaveras que recuerdan las representaciones de vanitas del simbolismo barroco, como en Schädel mit Kerze (Calavera con Vela, 1983).

Sobre el futuro de la pintura, el propio Richter explica: “La historia del arte ha mostrado todo desde hace mucho tiempo y los nuevos medios de comunicación, vídeo, performance, etc, pueden concebirlo todo a tenor de los tiempos. Sin embargo, por otra parte, el goce es, claro está, una prueba de la necesidad de la pintura. Todos los niños pintan espontáneamente. La pintura tiene un futuro maravilloso, ¿o no?”. En el mismo tono también ha afirmado que "No hay mucho que decir acerca de mi arte, pintar es una forma distinta de pensar. Sería como preguntarle a Einstein qué pensaba cuando estaba desarrollando una ecuación. En realidad no pensaba nada, simplemente hacía ecuaciones y yo simplemente pinto."


"No persigo ninguna intención, no tengo sistema ni estilo" aseguró el pintor en 1966. Por otro lado, Jürgen Schilling, afirmó: “Las clasificaciones de los historiadores del arte, que quieren adscribir su obra a corrientes determinadas por medio de etiquetas de estilo, no acaban de encajar en vista de su poliformismo, surgido a menudo de crisis”.

Los críticos de arte no escatiman con adjetivos elogiosos. Hay quien lo califica de "Picasso del siglo XXI". No exageran, en términos monetarios, pues los coleccionistas están dispuestos a pagar millones por uno de sus cuadros. Sothebys vendió su óleo "Tres Velas" (1982) por 5,4 millones de dólares. En un principio nadie pensó que las pinturas de Richter alcanzarían tal demanda en el mercado internacional.

En 1961 comenzó su conquista del mercado del arte cuando la casa de subastas Christies, que calculó el precio de su cuadro "Parte de un lago" en 400.000 libras esterlinas, lo vendió por 1,4 millones de libras. Éste fue el momento en el que Richter incursionó en el nirvana de los pintores contemporáneos.

Para Richter las enormes sumas que alcanzan sus cuadros en el mercado internacional no tienen mayor significado. "Se ha difundido que Richter es famoso y que de alguna manera debe ser bueno. Que bien, pero para mí no tiene ningún significado. Soy lo suficientemente crítico y realista como para mantener la distancia", afirma –con unos cuántos euros más en bolsillo, sea dicho-.

Enlace a la página web del artista

Andy Warhol

Biografía

Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.



Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola. También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Jacqueline Kennedy, o Troy Donahue.
En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, sino producir en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.
Warhol nunca ocultó su homosexualidad, como se puede comprobar en "Los Diarios de Warhol", donde afirma haber tenido romances con varios hombres. Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida como "Taxi".
En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve manager del grupo, añadiendo a su amiga, la cantante alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados. En 1968, una mujer, Valerie Solanas, que se describía como feminista radical y dramaturga, y a la cual Warhol había prometido publicar su manuscrito, le dispara seis veces en el pecho y es herido gravemente. Se requieren más de seis horas de cirugía para salvarle, y los efectos de este evento dejan a Warhol traumatizado por el resto de su vida. Al año se publica su revista InterView.



La década de los 70, y sobre todo la de los 80, suponen la consagración de Warhol como estrella del arte. Su estilo inicialmente rompedor es asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisface mediante retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual.
En los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Mick Jagger, Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. También empieza con su famosa serie "Marilyn" sobre la fallecida Marilyn Monroe.
Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos BMW. Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo el las famosas 24 Heures du Mans.
Son famosas sus "cápsulas del tiempo" en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en "Philosophy of Andy Warhol", su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos "Portraits of the Seventies" (Retratos de los Setenta.)
En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco "Made In Spain", también utilizada para el disco "Milano-Madrid" de este mismo artista. Según las malas lenguas, la compañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración de Warhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como "hijo de un torero español". Warhol también apareció en su videoclip "Ángeles Caídos". Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.
En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.
En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.
Muere el 22 de febrero de 1987, a los 58 años. Tras un ataque repentino al corazón, una post-cirugía mal cuidada y exceso de líquidos por intoxicación de agua le provocaron la muerte. Warhol había acumulado tantas pertenencias que fueron necesarios nueve días para que la casa de subastas Sotheby's las subastase por un total que excedió los 100 millones de euros.

Proyecto de la asignatura

Por la experiencia que he tenido hasta ahora, veo que lo que más me apetece hacer es experimentar con la pintura y la fotografía interfiriendo entre si. Con fotografía manipulada, retocada, en composición, otras veces sin manipular...

Me atrae mucho el retrato de personas, identificar a cada persona dentro de un entorno, el que más vaya con su personalidad. Me gustaría investigar acerca de las posibles formas de hacer retratos, sin ser realistas. Aquí es donde intervendría sobre todo la fotografía o el uso de ella. Otra idea es identificar a esa persona con alguna parte de su cuerpo que realmente la represente, en lugar de su rostro.